A Monster Calls review: a luscious, painterly fantasy overcast with sadness

Lewis MacDougall in A Monster Calls

•  Tim Robey, 

Director: JA Bayona. Cast: Lewis MacDougall, Felicity Jones, Sigourney Weaver, Liam Neeson, Toby Kebbell, Geraldine Chaplin. 12A cert; 108 mins

The monster in A Monster Calls is a metaphor, made of gnarled bark, twisted branches and Liam Neeson’s sonorous baritone. This tree-demon charges down from its hill at night to confront a boy called Conor O’Malley (Lewis MacDougall), whose already difficult life is about to crack wide open: his mother (Felicity Jones) is gravely ill, and the monster initially seems like a harbinger of disaster.

Instead, it might just be a spirit guide, a helping hand through crisis, cooked up by the boy’s own feverish imagination. It is, after all, a yew tree, held sacred for its regenerative properties.

Fantasies that spring from the creative turmoil of a child are a fertile subgenre in cinema – aspects of this film call to mind Labyrinth, the Laika animation Coraline, or even Bernard Rose’s undersung 1988 British chiller Paperhouse, which had a similar setting in rural England.

Cannily adapted by Patrick Ness from his illustrated book of the same name, this is a more choked-up offering than any of those, so overcast with sadness it sometimes seems to be gulping for fresh breaths.

Conor’s hobby, and a respite from thinking about his mum, or dealing with the bullies at school, is sketching with graphite. He stays up until the witching hour in his bedroom, where this tree-BFG, not only rumblingly voiced by Neeson but motion-captured so that it looms Neeson-ishly down at him, finds him nightly.

Lewis MacDougall in A Monster Calls

Instead of threatening to devour him, though, the apparition has stories to tell. “Stories?” asks Conor, unimpressed, and puckering his face as if the monster is mainly just wasting his time.

The stories – there are three, two of them animated in luscious watercolour – illustrate paradoxes which Conor, initially baffled, must grasp in his unstable state of mind. They tell of wronged witches, misdirected vendettas, in a fantasy world of dragons and rumoured poisonings, not unlike Hamlet’s play-within-the-play.

As Neeson’s tree narrates them, the film stands still, but expectantly so, and colours spill across the screen in thrilling splashes: given the chance, you’ll rewind and watch these painterly interludes again, stat.

Lewis MacDougall and Felicity Jones

Conor isn’t just a bystander here, but an outstandingly detailed main character. Spanish director JA Bayona has form with drawing powerful performances from children, if you think back to his horror debut The Orphanage, and discovery of Tom Holland – the new Spidey, no less – in The Impossible.

Even by his standards, though, MacDougall is very special: his face can hide away pockets of pain in one moment, and explode with furious resentment in the next beat.

Lewis MacDougall and Sigourney Weaver

There’s a Spielbergian showmanship to Bayona’s films, wedded to an unabashed emotionalism, and this one reaches for you down in the gut. Working on ever-larger effects budgets – next up, the Jurassic World sequel – Bayona’s like a stage-fond illusionist who loves to flaunt his tricks and devices, opening his films inside out for your inspection. Subtlety might not be the name of the game, exactly – he just happens to prefer more emphatic games.

The effects team have certainly gone to town, not only on the molten innards of the monster, but on the recurrent image of a church and graveyard crumbling into an abyss, where Conor fears he will lose his mother forever. Jones, while perfectly sensitive, doesn’t have a great deal more to do than pallidly disappear in her role.

Lewis MacDougall as Conor

There’s quietly terrific work, though, from Toby Kebbell as Conor’s runaway dad, pained by the problem of being honest about death, the dilemma of whether to shield his child, and his awareness, having married too young, of belonging on the fringes of the family’s grief.

Sigourney Weaver, unyielding and imperious as Conor’s house-proud grandmother, hasn’t quite got to grips with her RP accent, but her best scene – the film’s best – thankfully doesn’t need it. It’s her mute devastation when finding Conor, in the grips of a particularly wild hallucination, has trashed every inch of her living room. She’s lost for words, looking at all her ornaments obliterated on the carpet, as Conor tries to blub his apologies.

The scene is about everything they’re in the process of accepting, and the emotional violence of it, as they fight their way to a strange kind of understanding for the first time, takes you aback.

It’s a pivotal encounter, in a film which keeps devising ever-more-epic collisions between an angry boy and his own sorrow.

Os 10 Melhores Filmes de 2016

 By Alex Gonçalves 

.

Geralmente, começamos a pensar em nossos favoritos do ano no fim do primeiro trimestre do ano seguinte com o Prêmio Review, em que comentamos o que de melhor vimos no cinema a partir de algumas categorias. No entanto, o extenso planejamento pessoal já traçado para 2017 nos fez repensar o formato de apresentação para otimizar o tempo sem necessariamente comprometer a qualidade do conteúdo.

Dito isso, acreditamos que esta véspera de ano novo seja a ocasião perfeita para compartilharmos os nossos filmes favoritos de 2016. Além do tradicional top 10, também destacamos outras quarenta produções que nos marcaram de maneiras diferentes. Já no topo dessa publicação, há disponível um clipe modesto que produzimos trazendo trechos de alguns dos filmes citados a seguir.

Obrigado pela visita e tenha um 2017 espetacular!

.

#50. Sr. Sherlock Holmes, de Bill Condon
#49. Sing Street, de John Carney
#48. O Silêncio do Céu, de Marco Dutra
#47. Body, de Małgorzata Szumowska
#46. Kubo e as Cordas Mágicas, de Travis Knight
#45. O Que Está Por Vir, de Mia Hansen-Løve
#44. Divinas, de Uda Benyamina
#43. Um Caso de Família, de Tom Fassaert
#42. Hush – A Morte Ouve, de Mike Flanagan
#41. A Ovelha Negra, de Grímur Hákonarson
#40. Brooklin, de John Crowley

.

#39. Invasão Zumbi, de Yeon Sang-Ho
#38. O Mestre dos Gênios, de Michael Grandage
#37. A Vingança Está na Moda, de Jocelyn Moorhouse
#36. Amor & Amizade, de Whit Stillman
#35. Trumbo – Lista Negra, de Jay Roach
#34. O Retorno de John Henry, de Jon Cassar
#33. Assumindo a Direção, de Isabel Coixet
#32. De Longe te Observo, de Lorenzo Vigas
#31. Os Oito Odiados, de Quentin Tarantino

.

#30. Nise: O Coração da Loucura, de Roberto Berliner
#29. Amor Para a Eternidade, de Zhang Yimou
#28. Reaprendendo a Amar, de Brett Haley
#27. Desafiando a Arte, de Jason Bateman
#26. O Tesouro, de Corneliu Porumboiu
#25. No Fim do Túnel, de Rodrigo Grande
#24. Memórias Secretas, de Atom Egoyan
#23. De Palma, de Noah Baumbach e Jake Paltrow
#22. Agnus Dei, de Anne Fontaine
#21. Meu Rei, de Maïwenn

.

#20. O Homem nas Trevas, de Fede Alvarez
#19. O Convite, de Karyn Kusama
#18. Espaço Além: Marina Abramovic e o Brasil, de Marco del Fiol
#17. O Bebê de Bridget Jones, de Sharon Maguire
#16. Ninguém Deseja a Noite, de Isabel Coixet

.

#15. Rua Cloverfield, 10, de Dan Trachtenberg
#14. Docinho da América, de Andrea Arnold
#13. Invocação do Mal 2, de James Wan
#12. Rastro de Maldade, de S. Craig Zahler
#11. Joy – O Nome do Sucesso, de David O. Russell

.

#10. O Quarto de Jack, de Lenny Abrahamson +

Cineasta irlandês, Lenny Abrahamson parece ter se renovado em “O Quarto de Jack” em comparação ao mediano “Frank”. Principalmente ao confiar em Emma Donoghue para adaptar o seu próprio romance, “Quarto”, publicado no Brasil pela editora Verus. Toda a descrição necessária à literatura é suprimida para atender a uma linguagem que prima por estratégias para enriquecer personagens e os recursos visuais que o contexto permite.

.

#09. Tangerine, de Sean Baker +

É no uso de um sentimentalismo moderado de contextos barras-pesadas que faz “Tangerine” ter um coração que pulsa. As estratégias de Sean Baker são evidentes, apropriando-se da comédia para trazer acessibilidade ao público ao mesmo tempo em que planeja um movimento em que tudo deverá ruir e talvez se reerguer. Encontra a beleza de seres marginalizados e os respeita ao permitir um respiro que os façam reavaliar os espaços que ocupam e a companhia para enfrentar o dia seguinte.

.

#08. Coração de Cachorro, de Laurie Anderson +

Desenhos em movimento, justaposições, registros captados pelos mais variados suportes e uma narração terna formam um panorama reflexivo universal a partir da ideologia budista de Anderson para aplacar a tristeza de uma existência que segue testemunhando vários finais ao seu redor. Uma tristeza que Anderson não autoriza que a consuma até a vinda de seu próprio fim.

.

#07. Aquarius, de Kleber Mendonça Filho +

Além da contribuição inestimável de Sonia Braga, Clara expõe outras dimensões quando problematizada pelo texto, tendo em seu encalço uma figura de grande influência tentando persuadi-la ao mesmo tempo em que os abismos sociais são deflagrados em uma Recife com territórios literalmente demarcados. Trata-se do investimento em um discurso que dá ao todo um excesso que poderia ser eliminado, mas que não nos faz desviar do principal atrativo de “Aquarius”: os valores de gerações que se atraem ou se repelem a partir da defesa de seus interesses particulares.

. 

#06. Spotlight – Segredos Revelados, de Tom McCarthy +

Redimindo-se da comédia “Trocando os Pés”, Tom McCarthy volta a fazer um registro dramático mais condizente com uma filmografia composta pelos ótimos “O Agente da Estação”, “O Visitante” e “Ganhar ou Ganhar – A Vida é um Jogo”. Apoiando-se principalmente na parceria com Josh Singer no roteiro, na montagem de Tom McArdle e no elenco que prioriza o senso de trabalho coletivo em detrimento do brilho individual, McCarthy realmente desglamouriza a profissão ao avaliar as consequências no âmbito privado.

.

#05. Decisão de Risco, de Gavin Hood +

Os sucessos de “A Hora Mais Escura” e “Homeland” parecem ter inaugurado um novo momento para os ditos “filmes/seriados de guerra”. Os embates armados seguem usando como palco os territórios ocupados por soldados e civis. No entanto, há aqueles que são resolvidos à distância, em salas com acesso restrito em que ações são tomadas por um sem número de autoridades que acreditam deter o “olhar de Deus”. Esse momento em que a tecnologia se sobrepõe à ação é enfatizado no título original de “Decisão de Risco” – olho no céu.

.

#04. Cinco Graças, de Deniz Gamze Ergüven +

Em sua estreia na direção de um longa-metragem, Deniz Gamze Ergüven poderia facilmente transformar o roteiro que escreveu em parceria com Alice Winocour em um panfleto feminista, recorrendo a uma moral sentimental. O resultado obtido é completamente diferente, pois sabe que é a dureza, essa vontade de não suavizar o que é naturalmente cruel, que faz emergir as discussões sobre a posição da mulher em um cenário de repressões.

.

#03. Elle, de Paul Verhoeven +

A excentricidade da personagem, confirmada em seu silêncio e em outras posturas injustificáveis (como a de destruir o para-choque de Richard antes de encontrá-lo e o de se relacionar com o marido de sua melhor amiga), sugere que Verhoeven, a partir do texto de David Birke (“Os 13 Pecados”), não está interessado em fazer um manifesto sobre a violência contra a mulher, uma abordagem que muitos visualizam mais pelo potencial comercial em tempos de empoderamento e menos por sua força discursiva. Michèle é uma pessoa tão ou mais perigosa que o seu assediador.

.

#02. A Garota de Fogo, de Carlos Vermut +

Neste thriller recheado de reações desconcertantes, quando não extremas, há tudo que dignifica um grande filme. Desde o princípio, Carlos Vermut estabelece uma relação de cumplicidade com o público ao confiar em sua inteligência. Portanto, em “A Garota de Fogo”, nós vemos o que é preciso ser visto, enquanto as lacunas são preenchidas com a imaginação que esse quebra-cabeça propõe.

.

#01. O Lagosta, de Yorgos Lanthimos +

Em distopias, o amor surge como o instrumento de salvação de um planeta que ruma para o fim da humanidade. Em “O Lagosta”, essa máxima é revirada. Estaria o amor realmente presente na repetição das convenções, que padroniza a constituição de uma família como o alcance da felicidade plena? Estamos todos condicionados a compartilhar um lar e a intimidade com aqueles que nos interessam por mera compatibilidade ou por sentimentos que superam as distinções vigentes?

É uma surpresa que uma premissa repleta de tantas estranhezas consiga transcender com questionamentos que não apenas nos dizem respeito, como contaminam o nosso âmago, trazendo ainda uma conclusão desconcertante e desesperançosa que revê as contradições complexas de um ser humano por traz de suas decisões, regidas mais pela necessidade de preenchimento do que por amor. É um alívio que Yorgos Lanthimos não tenha recuado nem um pouco na autoria que imprime em seu cinema ao elevá-lo a um novo patamar em um idioma não materno.

Os 10 Piores Filmes de 2016

by ALEX GONÇALVES

O amadurecimento como cinéfilo refina o nosso gosto ao ponto de permitir que consigamos identificar de antemão aquilo que definitivamente não agradará o nosso paladar. Isso não significa que determinado segmento de produção com a qual temos reservas não possa apresentar exemplares que nos surpreenda.

Ainda assim, com centenas de produções ofertadas tanto no circuito de cinema quanto no consumo doméstico, o melhor a fazer é ser o mais seletivo possível no momento da escolha do que assistir. A partir desse critério, o ano de 2016 não contou com uma lista de produções ruins tão extensa em comparação com os nossos balanços retroativos. O que não significa que conseguimos evitar a decepção, a expectativa frustrada ou puramente o risco de se ver algo que comporte todos os elementos para nos desagradar.

A seguir, compartilhamos a nossa lista com 10 produções que consideramos as piores que assistimos ao longo de 2016:

.

#10. É Apenas o Fim do Mundo, de Xavier Dolan +

Xavier Dolan faz algo pior que um teatro filmado. Quase sem pausas para respiros, a sua câmera fica grudada nas faces do elenco durante 90 minutos, como se pretendesse com isso representar a rua sem saída em que está o seu protagonista, captando cada olhar e gota de suor, mas jogando pela lixeira a potencialidade dos intérpretes ao ignorar que uma atuação depende da anatomia em sua totalidade para se comunicar. A pretensão dessa escolha, somada à artificialidade da iluminação do diretor de fotografia André Turpin para reforçar a inconstância do temperamento dos personagens, não condena “É Apenas o Fim do Mundo” somente como o ponto mais embaraçoso da carreira de Dolan, mas também nos faz questionar se George Miller estava sob o efeito colateral de alguma tarja preta ao deliberar com o seu júri os melhores em competição no Festival de Cannes.

.

#9. Prova de Coragem, de Roberto Gervitz +

“Prova de Coragem” prefere investir em simbolismos que, no fim das contas, não nos leva a lugar algum. Seja a figueira que fascina Adri ao ponto de resgatá-la para ocupar toda a área externa de seu ateliê, seja o montanhismo praticado por Hermano – ou mesmo as suas mãos brutas, uma ligação ao protagonista literário de Daniel Galera -, não consta um elemento puramente cinematográfico que remova “Prova de Coragem” do terreno das trivialidades, sendo prejudicado ainda por uma montagem sem cadência de Manga Campion. Esperava-se mais deste novo regresso de Gervitz ao cinema.

.

#08. Demolição, de Jean-Marc Vallée

O canadense Jean-Marc Vallée mal tinha curtido o sucesso de “Clube de Compras Dallas” no circuito de premiações e já estava com outros dois projetos engatinhados. No entanto, se fez um filme belíssimo sobre recomeço com “Livre”, “Demolição”, apresentado poucos meses depois, denota uma falta de cuidado assustadora de concepção, como se fosse abraçado sem os tratamentos que qualquer roteiro precisa ser submetido antes de ganhar vida – e olha que ele foi apontado na Blacklist de 2007, que dá luz aos textos “brilhantes” ainda não filmados.

Atravessando uma fase “quero Oscar” em sua carreira, Jake Gyllenhaal transforma Davis no protagonista mais insuportável visto em qualquer outro filme do ano, um sujeito bem-sucedido que reage com indiferença diante da morte de sua esposa após um acidente automobilístico. Certa imaturidade de seus atos o faz se aproximar de Karen (Naomi Watts, grande atriz que anda com o dedo meio podre para escolher projetos), a quem inicialmente conhece a partir de uma ligação telefônica, e o filho dela, Chris (Judah Lewis), adolescente em dúvida sobre a própria orientação sexual.

O problema é que toda a condução atordoante não passa de um mero pretexto para uma revelação final com a missão de dignificar todos os passos de Davis. O resultado obtido é o extremo oposto, pois só passamos a detestá-lo ainda mais. Assim como o filme.

.

#07. Paulina, de Santiago Mitre

Grande parte das mulheres saiu revoltada da sessão de “Paulina”. Também pudera. Não é segredo para ninguém que, na metade da narrativa, a personagem-título interpretada por Dolores Fonzi é estuprada e que, um pouco adiante, pensa em não tomar uma atitude efetiva contra os seus agressores (e alunos). Provocador, o diretor e roteirista Santiago Mitre ainda constrói Fernando (Oscar Martínez), pai de Paulina e juiz influente que acalorará o debate diante de tal postura.

O problema nem vem a ser o fato de nomes masculinos estarem diante de um contexto especialmente delicado para as mulheres, mas sim o de sermos obrigados a tolerar uma personagem que mais funciona como uma tese estúpida sobre o quão cruel é a realidade que a rodeia e o quão se sente culpada por pertencer do lado “favorável” desse cenário. É o equivalente a ter de escutar o lamento de uma vítima esfaqueada em um assalto pedindo perdão ao criminoso por causa do sistema em que estão inseridos.

.

#06. Amor em Sampa, de Carlos Alberto Riccelli e Kim Riccelli +

Resolvendo todos os núcleos do modo mais simplório possível, “Amor em Sampa” é também uma prova de que ainda não descobrimos a fórmula para elaborar bons números musicais, com letras que não inserem qualquer camada nos personagens e uma ausência de coreografias e exploração de espaços que só ampliam a apatia. Restou o amor por São Paulo, que termina enclausurado em agências publicitárias e apartamentos no último andar de hotéis de luxo.

.

#05. Descompensada, de Judd Apatow

Com vasto repertório em stand up comedy, Amy Schumer teve a sua primeira chance de ouro para se transformar em estrela ao ser presenteada com uma atração televisiva só sua, “Inside Amy Schumer”. O sucesso foi estrondoso, especialmente pelos esquetes que viralizaram na internet, e “Descompensada” veio como a tentativa de estender as suas especialidades no cinema.

Mas o roteiro de sua própria autoria não passa de um capricho para exercer o seu narcisismo, por vezes soando autobiográfico para fazer piada de si mesma ao mesmo tempo em que tenta justificar em cena o quão incompreendida é por não corresponder ao modelo de princesinha americana. Os dramas com uma figura paterna (interpretada por Colin Quinn), no entanto, só não são mais embaraçosos do que o humor, no qual Amy luta para se mostrar descolada somente para se sujeitar ao mais machista jogo de reparação, com direito a declaração de amor com figurino de líder de torcida. Mas nada soa mais profano do que transformar a camaleônica Tilda Swinton em uma caricatura grosseira.

.

#04. Independence Day: O Ressurgimento, de Roland Emmerich

Até mesmo os detratores mais ferrenhos do alemão Roland Emmerich devem admitir certo apreço por “Independence Day”, um dos mais memoráveis blockbusters paridos nos anos 1990. Muito mais do que um espetáculo de efeitos visuais ainda hoje impressionantes, a maior atração era como o filme exaltava heróis improváveis, seja o casal interpretado por Will Smith e Vivica A. Fox, seja o presidente nada omisso de Bill Pullman.

Pois tudo isso que tirava o original do terreno da mediocridade é solenemente ignorado em “Independence Day: O Ressurgimento”, agora priorizando um time de jovens atores com carisma zero enquanto reserva aos veteranos que reprisam os seus papéis a responsabilidade de lidar com as burocracias de uma nova ameaça. O choque de núcleos tão destoantes transforma a continuação em um monstro bipolar, alternando humor com densidade sem nenhuma liga. Vale dizer que Emmerich também está prestando contas pelo equivocado “Stonewall: Onde o Orgulho Começou”, outro filme seu a desembarcar no Brasil em 2016.

.

#03. Um Cadáver Para Sobreviver, de Dan Kwan e Daniel Scheinert

Diretor de “Primavera Maluca”, aquela tipo de comédia que a gente costuma esconder que adora para não fazer feio em uma roda de cinéfilos, Ryan Shiraki disse que é fã de uma piada de peido e que a adicionaria mesmo se fizesse uma continuação de “As Horas”. A dupla de diretores Dan Kwan e Daniel Scheinert certamente levaria bem a sério um comentário como esse, pois “Um Cadáver Para Sobreviver” transforma a piada em uma história com 97 minutos.

A princípio, ninguém entendeu e uma fatia enorme de espectadores abandonou a première em Sundance. No entanto, o tempo fez com que a realização obtivesse uma aura de filme maldito, logo sendo compreendido como um indie fofinho sobre inadequações dentro de uma roupagem absurda. Mas o sentimento mesmo é de que estamos sendo feito de trouxas e nada sintetiza melhor a impressão do que o WTF soltado por Mary Elizabeth Winstead antes do fade out.

.

#02. Visões do Passado, de Michael Petroni

Que Adrien Brody mereceu o Oscar de Melhor Ator por “O Pianista” é algo indiscutível. No entanto, não há como não reconhecer a dificuldade que norte-americano está tendo para se manter relevante desde então. Além de não ter funcionado como herói de ação, como visto em “King Kong” e “Predadores”, Brody acabou caindo na obscuridade ao investir em produções independentes com uma seriedade inexistente. Caso de “Visões do Passado”, coprodução entre Austrália, Emirados Árabes e Reino Unido com um mistério óbvio até mesmo para quem não viu mais do que dez thrillers sobrenaturais em toda a vida. E quem ainda aguenta um filme sobre um psicólogo que vem a ser justamente o único a não compreender os próprios mistérios que povoam a sua mente?

.

#01. Floresta Maldita, de Jason Zada

Não há lugar mais assustador do que a floresta Aokigahara, sempre lembrado como um dos endereços mais procurados por aqueles que desejam cometer suicídio. Em um curto espaço de tempo, duas produções ocidentais construíram as suas premissas a tendo como cenário principal: “The Sea of Trees” e “Floresta Maldita”. Se o filme de Gus Van Sant é notório por ser o mais vaiado da edição de 2015 do Festival de Cannes, o terror de Jason Zada ocupa o topo de nossa lista de piores.

Em seu primeiro papel como protagonista, a bela Natalie Dormer tem a ingrata função de viver Sara Price, americana preocupada com o sumiço de sua irmã gêmea, que teria viajado ao Japão para tomar uma decisão definitiva para os seus impasses particulares. O mistério não passa de um pretexto para fazer o espectador, assim como a personagem, andar em círculos em uma Aokigahara que se revela nem um pouco amedrontadora, culminando em uma conclusão marcada por uma reviravolta no mínimo risível.

Resenha Crítica | Animais Noturnos (2016)

Nocturnal Animals, de Tom Ford

.:: 40ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo ::.

Um dos maiores estilitas do mundo e salvador da Gucci, Tom Ford esteve envolto a questionamentos alheios quanto a sua decisão de transferir o seu lado artístico expresso no universo da alta-costura para o cinema. Toda a sofisticação e a atenção preciosa aos detalhes que o notabilizaram como uma marca fashion foram impressas em seu debut “Direito de Amar“, mas a surpresa que poucos esperavam foi o toque sentimental trazido para a sua adaptação do romance “Um Homem Só”, de Christopher Isherwood.

Sete anos depois, Tom Ford volta com um novo filme, que vem a ser também uma tentativa de enriquecer um material original que não é lá tão formidável. No caso de “Animais Noturnos”, houve como base o último romance do também professor e crítico literário Austin Wright, “Tony & Susan”, publicado no Brasil pela editora Intrínseca. Entretanto, o êxito anterior está longe de se repetir aqui.

Excelente atriz que geralmente vive papéis que não têm a vaidade como  um item prioritário, Amy Adams não está em um grande momento como Susan Morrow, personagem que seguiu uma carreira artística sem necessariamente estar satisfeita com o que produz. Trata-se de uma pessoa que tem tudo ao seu redor, mas que julga que fracassou na vida.

Esse sentimento começa a se justificar quando recebe o manuscrito para avaliação de “Animais Noturnos”, o último romance escrito pelo seu ex-marido Edward Sheffield (Jake Gyllenhaal). Enquanto Susan faz a leitura, a obra literária recebe uma linha narrativa para si mesma. Em sua trama, Tony Hastings (também vivido por Jake Gyllenhaal) está viajando com a sua esposa Laura (Isla Fisher) e a filha India (Ellie Bamber). sendo perseguidos por um trio de marginais com péssimas intenções.

Ainda que “Animais Noturnos” não contenha nenhum traço autobiográfico e o seu tom de thriller em nada compete com a história de Susan com Edward, nota-se que alguma coisa em sua brutalidade seja um reflexo de um rompimento que talvez não tenha sido dos mais harmoniosos. Para compreendê-lo, flashbacks são alternados com o presente de Susan e o presente ficcional de Tony.

O maior atrativo de “Tony & Susan” foi o recurso de Austin Wright em fazer um livro dentro do livro. Não se trata de uma inovação, mas funciona por trazer uma personagem íntima das intenções de seu autor geralmente reagindo do mesmo modo que o leitor a partir das resoluções brutais e de certa passividade de Tony diante da violência. Como “filme dentro do livro”, esse diferencial não se encaixa adequadamente. Ao contrário, soa por vezes patético.

Na literatura, é mais do que obrigatório trazer ao leitor diante de um impacto ou surpresa um respiro em forma de um novo capítulo, um subterfúgio que nos faz repensar a decisão de seguir ou interromper com a leitura. O modo como Tom Ford tenta traduzir isso no campo audiovisual é risível, chegando ao cúmulo de fazer com que Susan seja forçada a pausar a sua apreciação no instante em que mais se exige a sua atenção – há até mesmo um pássaro batendo aleatoriamente contra a porta de vidro de sua luxosa residência para causar essa quebra.

Ainda assim, o mais grave de tudo é como as duas histórias de “Animais Noturnos” se anulam ao invés de se completarem. Há uma predileção por uma beleza macabra como tentativa de radiografar os protagonistas, intenção já explicitada em um prólogo de idosas obesas e nuas com adereços de integrantes de bandas marciais. Uma escolha com preocupações estéticas que sufoca justamente os fragmentos de uma realidade amarga em sincronização com a monstruosidade da ficção. Um exemplar com a rara capacidade de decepcionar não somente uma, mas duas vezes.