The Inerasable review: 'a connoisseur’s horror movie'

Tokyo Film Festival: Yoshihiro Nakamura's teeth-rattlingly scary film combines flesh-prickling pleasure with the intrigue of a police procedural

Of the many compliments you can pay The Inerasable, perhaps the highest, is that it understands how fear moves through the real world – not by creeping up behind you and shouting boo, but by planting an idea or image and allowing it to marinade, perhaps for months, years, or even a lifetime.

Yoshihiro Nakamura’s picture – which had its world premiere at the Tokyo Film Festival this week – is about this phenomenon in action, which also perfectly describes how the film itself works its dark magic. It lets terror build slowly through the gradual accrual of unnerving ideas and images until their combined weight starts to shorten your breath.

The film’s heroine is a nameless horror novelist (Yuko Takeuchi) whose own habit of collecting strange stories brings her into contact with Kubo (Ai Hashimoto), a student who wants her to investigate a strange noise coming from her spare room at night.

'The investigation becomes a mission to discover the cause of the site’s seemingly indelible stain of sadness'

It sounds a little like someone dragging a broom across the floor, but Kubo has no reason to suspect the place is haunted: as her landlord proudly notes, there’s no record of murder or suicide in the building. But when the two women start asking around, they discover a neighbour has been hearing the same noise in her also empty spare room – and that her cute two-year-old daughter sometimes stops by the open door, looks up at the ceiling, laughs and shouts: “Swing! Swing!”

This is the point at which any sensible person would burn the place down and move overseas. But the women’s interest is piqued, and they dig into the history of the site through local newspaper cuttings, title deeds, records at the local Buddhist temple and by talking to local elders. They discover the plot of land on which the building is built has played host to a series of almost entirely unrelated horrible events over the last few generations, and their investigation becomes a mission to discover the cause of the site’s seemingly indelible stain of sadness.

Nakamura’s film, which is based on a bestselling Japanese novel by Fuyumi Ono, tells its story with the same unwinking solemnity that characterised the great J-horror films of the late 1990s and early 2000s, such as Hideo Nakata’s Ring and Takashi Shimizu’s Ju-on: The Grudge. It also shares those movies’ complex (as opposed to ‘strong’) female characters, and a sober worldview that’s nevertheless attuned to life’s spiritual undertow.

Its great innovation, though, is in the way it combines the flesh-prickling pleasures of intelligent horror with the intrigue of a great police procedural. As further evidence keeps coming to light – the land turns out to have previously been home to a paranoid hoarder and an old lady who talked to what her neighbours assumed were imaginary cats – one or two common details continue to resurface, strengthening the sense that a single, unifying cause must somehow be the root of the occurrences.

'Deserves an international audience': The Inerasable

A number of earlier residents, for example, are on record as having seen “babies emerging from beneath the floorboards” of their houses – a surreally horrific image, made all the more terrifying by its apparent refusal to suggest the kind of ‘rational’ explanation for which Kubo and the author are searching.

As the film dips in and out of the past, cinematographer Yukihiro Okimura switches shooting styles to reflect the era: crisp, wide compositions and a delicately sickly palette for the present;  stricter geometric framing and softer colours for the past. That may sound like a gimmick, but it works sensationally well in practice. Japanese cinema’s particular reverence for ghost stories stretches back to its 1950s golden era and beyond, and the film’s evocation of that period lends its flashback scenes an extra meta-shiver.

This is a sharply intelligent film about why we get scared that is itself teeth-rattlingly scary – a connoisseur’s horror movie that deserves an international audience.

Taxi Tehran: 'witty guerrilla filmmaking'

Jafar Panahi’s latest offering is a playful journey through the capital of Iran and Iranian cinema itself

Jafar Panahi, Iran’s most newsworthy filmmaker, won the Golden Bear in Berlin this year for Taxi Tehran. He has premiered all of his films there since the girl-power football fable Offside in 2006 – even the ones, like this latest, which he’s succeeded in making despite being under government-mandated house arrest. His preceding two pictures, This is Not a Film and Closed Curtain, were made in secret in Panahi’s own home, contravening the six-year ban the Iranian state placed on his filmmaking in 2010.

It’s clear from Taxi Tehran that restrictions on his activities have loosened up a little. Shot from a dashboard-mounted camera, the film consists wholly of Panahi driving around the Iranian capital in a cab, picking up an assortment of friends and strangers in an open-ended 80-minute journey. He may technically have produced this film illegally, but some sort of accommodation has clearly been reached, or it would have been very easy for the authorities to stop him shooting.

In any case, it’s one of his looser, more playful pieces of work – not an example of firebrand activism he’s taking to the streets, but a self-reflexive jeu d’esprit in which his smiling face anchors the tone. He’s a terrible cabbie – frequently sidetracked by odd jobs, ejecting passengers before they’ve reached their destination, often going completely the wrong way.

Export only:Panahi’s own films aren’t allowed to be shown in Iran

The equation he’s making is between the skills required of a driver-for-hire and that of a director keeping his film on course. As in the last two projects, this throws up wider questions about what cinema even is, who it’s for, and how the conditions in which it’s made and distributed inevitably affect how it’s received.

One of Panahi’s first passengers is Omid, an old acquaintance who used to flog him pirated DVDs – not just commercial titles such as Season 5 of The Walking Dead, but arthouse ones, like Nuri Bilge Ceylan’s much-celebrated Once Upon a Time in Anatolia.

The Omids of this world may be a bane to the Hollywood studios, but they’re a boon to Panahi and other Iranian film buffs, who would often have no other way to obtain and watch foreign films. The irony, of course, is that Panahi’s own films aren’t allowed to be shown in Iran – he’s producing work purely for export these days, and having to run his business in similar cloak-and-dagger fashion.

Two ladies with a goldfish bowl allude to Panahi’s 1995 debut, The White Balloon

The ethical questions surrounding crime and how to address it – tackled in earlier films such as Panahi’s powerfully tragic heist drama Crimson Gold (2003) – are much on his mind throughout this. There’s a debate between one passenger who believes that petty thieves should face public execution, and another who argues that desperate circumstances could turn anyone – even this film’s director, of course – into a law-breaker.

Later, Panahi’s 10-year-old niece Hana – who is making her own student film – hops in and catches a boy on the streets in the act of pocketing someone else’s cash. Because her teacher has instructed the class to avoid “sordid realism” in their films, Hana tries to get this money returned to its rightful owner on camera.

Wittily, Panahi’s guerrilla exercise teases out the social value film can have while studding itself with in-jokes about the gentler forms of realism that export more easily and keep his global audience happy. Two ladies on a mission with a bowl of goldfish hail him down, and an allusion is clearly intended to the struggles of seven-year-old Razieh to buy a fish in Panahi’s bewitching 1995 debut, The White Balloon.

For the casual arthouse viewer, Taxi Tehran has a bit of a paradox to contend with: one one level it feels like a joshing and accessible entry-point into Panahi’s work, but it also depends for so much of its effect on these sly nods and homages. A working overview of Iranian film is needed to get the most out of it. Even the act of confining the whole film inside a car makes it a cinematic conversation that Panahi is having with his contemporary Abbas Kiarostami, who did the same thing in his films 10 (2002) and Taste of Cherry (1997).

It works best as a reminder of everything Panahi wants to say as his curfew nears its close – the services, like the proprietor of a lit cab in the city centre, he’s still restlessly eager to give us.

A Onda (Die Welle)

por Ronaldo D'Arcadia

Baseado em uma história real, "A Onda" nos apresenta fatos sólidos de como uma ideologia pode impregnar valores e costumes de pessoas normais

Em 1967, em Palo Alto Califórnia, o professor de história Ron Jones fez um experimento com seus alunos: ele impôs uma ambientação do nazismo em sua classe, tudo seguia os padrões do partido. O projeto durou uma semana e causou diversos problemas. Anos depois, baseado na história de Jones, o autor Todd Strasser (sob o pseudônimo Morton Rhue), produziu o livro de ficção "A Onda", no qual este filme de Dennis Gansel se baseia. Mas o diretor também tomou suas liberdades poéticas com o tema, adaptando os eventos para dias atuais e transportando tudo para a Alemanha, onde a obra de Strasser é leitura obrigatória nas escolas.

No filme somos apresentados a Rainer Wenger (Jürgen Vogel), sujeito de personalidade forte e também ótimo professor. Logo no início, acompanhando os créditos, já podemos perceber toda rebeldia contida no indivíduo, que, enquanto dirige rumo ao trabalho, canta freneticamente a clássica "Rock 'N' Roll High School" dos Ramones. Ele estaria prestes a iniciar um pequeno projeto já tradicional da escola, em que cada professor aborda diferentes formas de governos em suas classes. 

Tendo a duração de apenas uma semana, a "brincadeira" se finaliza na sexta feira, quando vídeos são feitos, palestras e argumentos são expostos, e o tema é discutido, visando assim ampliar a compreensão dos alunos sobre o assunto em questão. Para Wenger, restam apenas os governos autocratas, como o nazismo e o fascismo. Ele então, meio de supetão, começa a já citada experiência visceral, que termina de forma trágica.

É muito interessante analisarmos um fato ocorrido nos EUA sendo adaptado para o cinema na Alemanha. Claramente, devemos relembrar a licença poética do diretor Gansel – também roteirista –, que transportou toda personalidade da juventude alemã, a forma de ensino e os costumes de seu povo, de forma brilhante para o tema.

O fascismo, nazismo, ou "A Onda" – como eles se autodenominam – se apresenta de forma envolvente, e isso é mostrado através da visão dos jovens que mais se afeiçoam ao sistema. Apenas os pontos positivos são relevados em um primeiro instante: todos se mostram mais obedientes em casa, respeitosos, melhoram a postura física em sala de aula, o que possibilita uma melhor circulação sanguínea e assim uma melhor pronúncia de sentenças, que devem ser curtas e coesas, proferidas de pé, e por aí vai. No filme, tudo isso ocorre de forma muito natural, não há discussão, o projeto é respeitado pelos alunos, que entram na onda.

E com essa união os excluídos fazem amizades, são protegidos pelos seus iguais contra o inimigo comum (nesse caso, a turma que pegou o tema anarquia, que fica exatamente abaixo da sala deles). Os populares se sentem invencíveis e por aí vai novamente. Aparentemente tudo que os rebeldes querem é disciplina, pois em um mundo tão vazio de significados, fazer parte de alguma coisa, de alguma família,  pode ser perigosamente tentador.

Eles então se tornam reais, criam logo tipo, myspace, websites, adotam uniforme e um cumprimento padrão. Tudo isso a pedido do professor, que inicialmente encara de forma ingênua a transformação dos jovens, sem perceber que aquilo também está afetando seu comportamento. Mas afinal, qual o problema? Os pais dos garotos teceram elogios já nos primeiros dias, a diretoria apoiava a didática. E tudo ocorre muito rápido. Em uma semana A Onda nasce e morre.

Um dos personagens centrais do filme é Marco, interpretado por Max Riemelt. Marco é o soldado alemão perfeito: atleta, não é burro, mas não faz questão de ser mais do que isso. Ele namora a bela Karo, vivida pela jovem atriz Jennifer Ulrich. Karo é uma das mais inteligentes da turma, mas traz problemas pessoais típicos de jovens tentando se encontrar. Ela apresenta um comportamento sutilmente egocêntrico, caraterizado por um ar de irritante superioridade, e com o início da Onda, onde todos se saem bem, ela acaba sendo deslocada do grupo. 

Percebendo que aquilo não é uma coisa normal,  Karo se coloca contra a Onda, e é aí que todos os sentimentos se misturam, principalmente para o público. Todos sabem que este "ismo" é prejudicial, todos sabem que Karo está certa, mas sua personalidade, entendida como superior, unida a ingenuidade dos outros alunos, nos faz escolher lados, despertando então o fascista em todos nós. A relação de Karo e Ulrich é o termômetro para a platéia. É através deles que vemos como as coisas vão se afastando de uma brincadeira para algo sério.

E sendo talvez o mais simbólico personagem do filme, temos Tim Stoltefuss, interpretado por Frederick Lau. Tim é a vitima do "sistema", de todos eles. Garoto reprimido, vê na Onda o significado de sua vida, e começa a enlouquecer com isso – coisa que acontece às pencas por aí (entenda-se neonazistas e skinheads). Mas o drama no caso de Tim é tocante. Tudo que ele queria era fazer parte de um grupo, e isso A Onda lhe ofereceu. Nada poderia lhe tirar essa sensação.

Toda a equipe de atores é excelente, desde o time principal até os coadjuvantes. O diretor conseguiu tirar tudo deles, a entrega foi máxima, diria até perturbadora, mas sem credibilidade a obra seria em vão. Gansel acerta em praticamente todas suas escolhas na direção. Fotografia impecável, cenas bem estruturadas, texto profundo e bem argumentado. A edição é contemporânea, carregada de elementos pop, muitas cores. O vermelho que Karo resiste em usar diante do branco adotado por todos é simbólico e bonito de se ver.

No final, "A Onda" apresenta os primeiros passos na construção de algo imperfeito por natureza, pois apesar de toda sua evidente coesão como grupo, apesar de todas as melhorias percebidas (superficialmente) por pais e mestres, existe aquela fresta no sistema, a célula que muda tudo: a intolerância, a impossibilidade de A Onda viver sem o ódio e a segregação. O principal motivo do professor Wenger – assim como Jones na vida real – de iniciar este processo perigoso foi devido aos argumentos dos alunos que diziam não conseguir entender como tantos alemães foram coadjuvantes de algo tão terrível. A obra nos mostra que ideologias como essa estão acima de seu povo, e que, no final, todos acabam inocentados diante desta hipinótica corrente mental. Já esquecer é outra história.

Os últimos minutos do longa são com certeza seu ponto forte. O ator Jürgen Vogel se despe de forma inacreditável na cena em questão, proferindo falas inimagináveis. Acompanhando estes diálogos finais, todos os personagens despertam de um torpor, entendendo finalmente a ténue linha entre o que é certo e errado, o que é humano e o que é depravado. Agora, se você assistir tudo isso e não despertar... então está com problemas.

A Onda/ Die Welle: Alemanha/ 2008/ 107 min/ Direção: Dennis Gansel/ Elenco: Jürgen Vogel, Frederick Lau, Max Riemelt, Jennifer Ulrich, Christiane Paul

Stephen King – o mestre do terror

POR LUCAS PILATTI MIRANDA LITERATURA

É assim que Stephen King é conhecido por muitos, como o mestre do terror. Esse será um post especial para falar da vida e obra desse escritor que é adorado por muitos fãs da ficção e que criou muitos personagens ícones do gênero. Agradeço especialmente ao pessoal do King Of Maine que preparou o texto para nós. Quem é fã de Stephen, com certeza precisa conhecer o site deles.

Stephen King (nascido em 21 de setembro de 1947, em Portland, Maine) é um prolífico escritor, e um dos mais reconhecidos em todo o mundo há quatro décadas. Sua principal área de atuação situa-se nos campos do horror, o que não o impede de, vez ou outra, escrever um drama, suspense psicológico, ou fantasia… Como ele próprio diz, em livros como Dança Macabra (Danse Macabre, 1981) e Sobre a Escrita(On Writing, 2000), sua paixão pelo terror começou com antigos gibis da extinta EC Comics. Unindo isso ao seu vício pela leitura, Stephen começou a tentar escrever ainda na época da escola (para desgosto de seus professores) e logo percebeu que era isso o que ele queria para seu futuro.

Vivendo apenas com sua mãe, Nellie Ruth, e seu irmão adotivo, David. O patriarca da família, Donald King, saíra de casa quando Stephen tinha dois anos com a desculpa de que iria comprar cigarros e nunca mais voltou – Stephen teve uma infância difícil. A família, que não tinha muitas posses, mudava-se constantemente de cidade, enquanto Nellie Ruth batalhava para conseguir empregos que pudessem sustentar suas duas crianças.

Enquanto crescia, Stephen ia desenvolvendo seu dom, escrevendo histórias que, embora ainda carecessem de um toque profissional, já demonstravam imaginação e talento. Ao longo da puberdade, o rapaz passou a mandar contos para diversas revistas masculinas, incluindo a Cavalier e a Playboy, na esperança de que fossem publicadas, apenas para receber diversas cartas de rejeição. Foi apenas aos 20 anos, já na faculdade, que Stephen King teve um conto publicado: “The Glass Floor”, na revista Startling Mystery Stories, o que lhe gerou uma “fortuna” de 35 dólares.

Foi durante a época da faculdade que outras coisas importantes na vida de King aconteceram: ele conheceu aquela que seria o amor de sua vida, Tabitha King, com quem é casado até hoje; escreveu os manuscritos de romances como A Longa Marcha e Fúria; e conseguiu seu bacharelado em inglês que lhe permitia trabalhar como professor em 1970, mesmo ano em que sua primeira e única filha, Naomi King, nasceu. Dois anos mais tarde, foi a vez de Joseph King (que também se tornaria um autor, sob a alcunha de Joe Hill) nascer. Foi mais ou menos nessa época que Stephen começou a escrever aquele que seria seu primeiro romance publicado: Carrie, a Estranha. A esta altura, King trabalhava como professor na Hampdem Academy, por um mísero salário de 530 dólares mensais e vivia com sua família em um trailer. Para piorar a situação, o escritor começou a beber, um problema que quase destruiria sua vida durante duas décadas, antes as dificuldades da vida.

A pior dessas dificuldades certamente foi o câncer de Nellie Ruth. A matriarca da família King “fumava como uma chaminé”, como o próprio King disse em Sobre a Escrita, e acabou vítima de um câncer de pulmão. Enquanto isso, Stephen jogava o manuscrito de Carrie, a Estranha na lixeira. Ele não estava impressionado pela história e tampouco tinha conhecimentos daquilo que era imperativo saber para escrever o romance: o mundo feminino. Contudo, Stephen obteve a ajuda de sua grande companheira, Tabitha, que tirou as páginas da história do lixo e o ajudou a terminar o romance. Quando isso aconteceu, King enviou Carrie para editora Doudleday e aguardou.

Em janeiro de 1973, enquanto trabalhava no colégio em que lecionava, Stephen King recebeu uma ligação importante de sua esposa. Ela o contatara, emocionada, para informar que a Doubleday aceitara Carrie, a Estranha e comprara os direitos de capa dura do livro por 2.500 dólares, um valor que, embora não fosse resolver a situação financeira da família, ajudaria bastante. A maior surpresa que o romance sobre a garota com poderes telecinéticos proporcionaria aconteceria apenas quatro meses depois, quando a New American Library comprou os direitos de brochura do romance pela “bagatela” de 400 mil dólares. Por força de contrato com a Doubleday, Stephen King tinha direito a metade deste valor, e com 200 mil no bolso, o escritor percebeu que, afinal de contas, seu sonho estava começando a se realizar.

Em contrapartida à alegria de vender Carrie, a Estranha, Stephen teve que lidar com um duro golpe: a morte de sua mãe, ainda em 1973. Completamente tomada pelo câncer, Nellie Ruth faleceu em sua cama, ao lado dos dois filhos. No funeral dela, Stephen fez um discurso emocionado, acentuado pelo fato de que ele estava embriagado.

Depois do sucesso desse livro, que em apenas dois anos foi adaptado para o cinema pelo diretor Brian De Palma, Stephen se permitiu sair da Hampdem Academy para dedicar todas as suas horas acordado à escrita. Ele publicou mais sete livros antes que a década de 70 terminasse (incluindo dois sob o pseudônimo de Richard Bachman). Os cofres dos King iam engordando e a situação financeira da família não era, e nunca mais seria, um problema. O que seria um problema era o alcoolismo de Stephen, que piorava gradativamente, e quando o escritor resolveu adicionar cocaína à mistura, tudo piorou. Os entorpecentes não prejudicaram o trabalho de Stephen, mas a relação com seus familiares foi se desgastando.

Na década de 80, os vícios de King chegaram ao ápice. Certo dia, Tabitha reuniu seus filhos e outros parentes para proclamar uma intervenção a Stephen. Ela virou uma lixeira cheia de agulhas, colheres manchadas de cocaína, catarro e sangue, latas de cerveja, garrafas de bebida, na frente do escritor e lhe deu um ultimato, afirmando que ou Stephen consertava sua vida, ou ela iria embora com as crianças, dizendo que não suportaria vê-lo se matar. Algo dentro de Stephen King deve ter acordado naquele instante, porque o escritor tornou-se determinado a largar seus vícios. Quando a década de 90 chegou, Stephen era um homem limpo, que nunca mais tomaria qualquer tipo de droga ou bebida (nem sequer socialmente).

Mas uma última porrada (literal) do destino aguardava Stephen King. No dia 19 de junho de 1999, o escritor resolveu fazer uma caminhada pelas estradas que ficavam perto de sua casa em Lovell, Maine (mais especificamente a Rota 5). Enquanto chegava a uma curva da estrada, Stephen não viu que Bryan Smith, o motorista que dirigia uma minivan descontrolada, se aproximava perigosamente. Smith, distraído por seu cachorro, também não viu Stephen, e o resultado foi uma colisão que por pouco não matou o autor. Stephen King, que tivera múltiplas fraturas na perna direita, o quadril quebrado e o pulmão atingido, foi levado de helicóptero para o Central Maine Medical Center, em Lewiston. Apesar de correr o risco de ter sua perna amputada, tamanho o estrago, King contou com o talento do doutor David Brown para salvá-lo por inteiro. Stephen, contudo, ainda precisou contar com mais operações, diversas sessões de fisioterapia e muita dor para conseguir se recuperar.

Na virada do século, precisamente em 2002, Stephen King chegou a cogitar se aposentar, prometendo apenas terminar a saga A Torre Negra, que iniciara no começo dos anos 80. Felizmente, o autor resolveu voltar atrás e, além de finalizar a série do pistoleiro Roland Deschain, continua escrevendo até hoje. Atualmente, Stephen ultrapassou a marca de 70 livros publicados e não mostra sinais de que vai parar em qualquer futuro próximo. Em 2015 serão publicados Finders Keepers (junho), um romance policial que é a continuação de Mr. Mercedes, de 2014, e The Bazaar of Bad Dreams (novembro), uma antologia de contos que reunirá histórias novas e antigas (publicadas apenas em revistas e E-books). O autor tem na agenda a conclusão das trilogias de Mr. Mercedes e O Talismã, o qual escreve em parceria com Peter Straub. Stephen King mora atualmente com Tabitha e seus filhos em Bangor, Maine.

As obras mais importantes de Stephen King

Carrie, a Estranha (Carrie, 1974): conta a tragédia de uma adolescente, que sofre bullying diariamente no colégio onde estuda, e que acaba descobrindo ter poderes telecinéticos. Foi o primeiro romance publicado por King e o que mudou sua vida para sempre.

O Iluminado (The Shining, 1977): o que acontece quando um casal e seu filho pequeno vão cuidar de um hotel vazio durante o inverno e descobrem que esse hotel é assombrado? É correto afirmar que a adaptação de Stanley Kubrick é certamente mais famosa do que o próprio livro de Stephen King. O escritor é conhecido por ter detestado a versão de sua história que saiu da mente de Kubrick, que, por sua vez, destoou bastante do material original.

Fúria (Rage, 1977): o motivo deste romance, escrito sob o pseudônimo de Richard Bachman, chegar à lista não é por sua qualidade ou adaptações, mas sim pela polêmica que resultou no banimento da obra de todas as livrarias do mundo pelo próprio autor. Cópias de Fúria foram encontradas entre os pertences de três garotos que cometeram atentados contra alunos e professores de seus respectivos colégios entre a década de 80 e 90. Chocado, King retirou Fúria do mercado. Na história do romance, um garoto faz sua sala de refém, após matar dois professores, e faz um jogo psicológico e imprevisível com seus colegas de classe. No Brasil, a história foi publicada no livro “Os Livros de Bachman”, publicado pela extinta Francisco Alves. Como o livro foi banido, nunca mais haverá uma cópia nova dele, a não ser que, é claro, King mude de ideia.

A Dança da Morte (The Stand, 1978): o primeiro tijolaço publicado por King. Apesar de na época a editora ter cortado muito da história por causa do tamanho final do manuscrito, Stephen King conseguiu publicar seu épico na íntegra em 1990, em um camalhaço que ultrapassou a marca das mil páginas. Na história, o mundo é dizimado por uma praga criada em laboratórios americanos. Os poucos sobreviventes, imunes ao vírus, são deixados para escolher seguir Mãe Abigail, representante de Deus, ou o demoníaco Randall Flagg, uma criatura de poderes sobrenaturais que deseja reformar o mundo à sua visão.

O Pistoleiro (The Gunslinger, 1982): o primeiro do quer seriam oito volumes da saga A Torre Negra, contando a história do último pistoleiro do mundo, Roland Deschain, em busca da lendária Torre Negra, que ela acredita possuir os segredos para salvar o seu mundo. Os romances que sucederam a publicação da primeira parte foram A Escolha dos Três (The Drawing of the Three, 1987); As Terras Devastadas (The Waste Lands, 1991); Mago e Vidro (Wizard and Glass, 1997); Lobos de Calla (Wolves of the Calla, 2003);Canção de Susannah (Song of Susannah, 2004); A Torre Negra (The Dark Tower, 2004) e O Vento Pela Fechadura (The Wind Through the Keyhole, 2012 – este última se passa, cronologicamente, entre os volumes quatro e cinco da saga).

IT: A Coisa (It, 1986): considerado por muitos o melhor livro escrito por King. Conta a história de um grupo de amigos que, quando crianças, precisam enfrentar uma criatura que tem o poder de se materializar na forma dos piores medos das pessoas para matar crianças, e o que acontece quando, quase 30 anos depois, a criatura volta para uma revanche definitiva.

À Espera de um Milagre (The Green Mile, 1996): se Stephen King já havia provado várias vezes ser capaz de fazer o leitor gritar de medo, com este romance ele provou que também poderia fazê-lo debulhar-se em lágrimas. Adaptado para os cinemas por Frank Darabont, que anteriormente havia dirigido aquela que é considerada por muitos a melhor adaptação de uma obra Stephen King, Um Sonho de Liberdade (The Shawshank Redemption, 1994, baseada na noveleta Rita Hayworth e a Redenção de Shawshank, do livroQuatro Estações), contou com os talentos de Tom Hanks e Michael Clarke Duncan para dar vida aos personagens de King neste drama sobre um ingênuo homenzarrão negro que é injustamente condenado, na década de 30, à cadeira elétrica e o que acontece quando o chefe do bloco dos condenados à morte descobre que ele é inocente.

Sob a Redoma (Under the Dome, 2009): mais um tijolaço de King. Desta vez, ele conta o que acontece quando Chester’s Mill, uma pequena cidade do interior do Maine, é coberta por uma redoma gigantesca sem mais nem menos, e o caos que se instala em Mill quando a comida vai ficando escassa, as pessoas tornam-se violentas, e segredos sujos de alguns habitantes da cidade são revelados.

Novembro de 63 (11/22/63, 2011): neste romance de ficção-científica, Stephen King faz seu protagonista, o professor Jake Epping, descobrir um portal temporal que o leva a 1958. Com uma grande oportunidade em mãos, Jake resolve iniciar uma grande jornada de consequências imprevisíveis com um único intuito: chegar ao dia 22 de novembro de 1963 e impedir o assassinato do presidente John F. Kennedy.

É isso, mais uma vez, agradeço imensamente ao pessoal do King Of Maine pela organização e o excelente texto.

Nos bastidores – Star Wars

POR LUCAS PILATTI MIRANDA 

Já mostramos aqui como foram os bastidores de um dos maiores filmes do diretor Stanley Kubrick, o Laranja Mecânica. Mas hoje, é a vez de conhecer um pouco por trás das câmeras de uma das maiores séries fantasiosas de todos os tempos: a franquia do Star Wars.

As produções de George Lucas com a Lucasfilm foram completamente detalhadas e interessantes de se observar. Não posso deixar de citar sobre a Princesa Léia, digo, Carrie Fisher, que aparece sempre descontraindo nas imagens. Deveria ser muito divertido filmar com esse pessoal.

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